Canino (G. Lanthimos, 2009)

El tercer largometraje, ‘Kynodontas’ en el original, del director griego Giorgos Lanthimos (Atenas, 1973), quien también coescribe su guión, junto a Efthymis Filippou, ha gozado de cierto reconocimiento internacional a raíz de lograr el premio ‘Un certain regard’ en el Festival de Cannes de 2009 y la nominación al Oscar a la mejor película extranjera 2011.

Película sobre una familia donde el padre somete a su mujer y a su hijo y dos hijas ya talluditos a una especie de prisión o muerte en vida, completamente aislados del mundo exterior -sensación agudizada por ese plano recurrente en el filme de un lejano avión surcando los aires a muchos metros de distancia en el cielo- podría haberse encarado desde diferentes puntos de vista cinematográficas. El del melodrama, por ejemplo, aunque no es pertinente establecer culpables porque la cámara acompaña a los personajes, en sus cuartos, en el jardín, en un chapuzón en la piscina, en un marco siniestramente idílico, sin atisbar el menor intento de transmitir moralina alguna o de alinearse con tal o cual personaje. Porque en manos de Lanthimos la trama es mínima, es una forma de rodar bastante naif; minimal, contabilizamos sólo 6 personajes, los 5 miembros de una unidad familiar de 3 hijos adultos más una vigilante de seguridad de la fábrica donde trabaja el padre que visita la casa periódicamente, remunerada por éste, para follarse al hijo. Sin aditamento alguno, es un relato de lo absurdo, que apunta comedia pero lo deja en nausea, que nos retrotrae a parecido planteamiento de gente confinada en extrañas circunstancias como ‘El ángel exterminador’ (1962) de Luis Buñuel, donde lo inexplicable hace acto de presencia y es un protagonista más. Sólo al final, la hija mayor, acomete algo lo más parecido a salirse del guión establecido con el resultado tan poco halagüeño del fundido en negro. Tampoco recuerdo banda sonora musical alguna.

Conceptualmente, la puesta en escena apuesta por planos medios nunca cortos y nos depara algunas secuencias donde el plano corta las mismas cabezas de los actores acentuando una pretendida despersonalización de lo que nos está mostrando.

En Canino todo es lo que parece ser, si bien, tardamos un cierto tiempo en atisbar qué es lo que se nos quiere contar. Es un relato hiperrealista sobre una familia tronada que es como una isla, un microcosmos completamente alejado del resto del mundo. No acierto tampoco a plantear si Lanthimos se ha propuesto con este relato al revés de una familia contemporánea típica una crítica velada del rol de esta figura en la sociedad actual.

Canino es como ese folio afilado con el que te cortas al cogerlo y cuyo picor al principio despreciable se va tornando molesto en el transcurso del día. Sus secuencias van cobrando significado propio unos minutos después de haberlos contemplado e incluso unas horas después.

Calificación: 2.

Amanecer de los muertos (Z. Snyder, 2004)

La opera prima del realizador estadounidense Zack Snyder (Wisconsin, 1966), ‘Dawn of the dead’ en el original, es un muy afortunado remake del filme homónimo, titulado ‘Zombi’ en España, que el neoyorquino George A. Romero dirigió en 1978, diez años después de su debut con la seminal ‘La noche de los muertos vivientes’ (Night of the living dead).

El guión, obra de James Gunn, adaptando el original escrito por el propio Romero, tan sólo sigue las líneas troncales de su antecesor, como que en ambos la mayor parte de la acción transcurra en un centro comercial abandonado que los protagonistas usan como reducto mientras soportan el embate de los zombis. Salvando este referente, todo lo demás es diferente, si acaso la cinta que nos ocupa puede considerarse un homenaje a su precursora.

La cinta comienza de la mano del personaje de Ana (Sarah Polley), que concluye su jornada de enfermera en un hospital, vuelve a casa con su marido y a la mañana siguiente, sufre en sus propias carnes y las de su propia familia contagiada que una virulenta plaga de zombis asola la ciudad sin motivo ni explicación aparente. Huyendo entabla relación con otros personajes, como el policía Kenneth (Ving Rhames) y Michael (Jake Weber), que se ven obligados a guarecerse en el dichoso mall ante el empuje zombi. Allí, junto a los guardas de seguridad y otros huidos, resistirán y buscarán una vía de escape. 

Entre las diferencias más significativas con el precursor romero, las hordas zombis, dotadas de una velocidad inusitada, más propia de estos tiempos desbocados que padecemos y que hacen palidecer la rigidez propia del rigor mortis que limitaba a los primigenios y más clásicos zombis de Romero.

Pero este carácter animoso no implica que la cinta vaya a discurrir por los derroteros más propios del desbocado cine actual plagado de f/x sino, y esto es muy de agradecer, todo lo contrario ya que la cinta mantiene el regusto de cine B donde el omnipresente terror zombi está ahí fuera y precipita los acontecimientos pero tienen mayor enjundia las relaciones entre los propios humanos, pues el hombre es el peor enemigo de su especie y en un entorno hostil es donde estas pulsiones y desequilibrios humanos se hacen más patentes. Mínimos apuntes sociológicos sin mayores pretensiones ya que la cinta sobre todo es un muy disfrutable coctel de aventuras y correrías huyendo de la plagas zombis trufadas del desparpajo hemoglobínico a raudales que la ocasión merece.

Calificación: 3.

L. A. Confidential (C. Hanson, 1997)

El realizador norteamericano Curtis Hanson (Nevada, 1945) escribió y dirigió el guión adaptando la novela homónima que James Ellroy (L.A. , 1948) publicó en 1990. La película, de resultado sobresaliente, se estrenó en 1997 y vió menguado el reconocimiento de la industria por coincidir con el éxito del ‘Titanic’ de James Cameron.

Recuerdo la magnífica impresión que me dejó el visionado de este film noir  en el momento de su estreno y 15 años después vuelvo a revisar la cinta, que ya tocaba, compartiendo parecida sensación; en el periodo intermedio he leído la impagable obra del escritor californiano.

En plena eclosión del American way of life (el filme se abre con una introducción acerca del particular), con el glamour hollywoodiense como telón de fondo,  un crimen que sacude el ídilico escenario angelino, en el que se ve implicado un ex-policía borracho jubilado, bajo el que parece colear el consabido asunto de lucha de mafias en torno al control del tráfico de drogas, revuelve las entrañas de la brigada policial de la ciudad, que se precipita a su investigación y solución, revelando todos los juegos de poder entre sus miembros, en especial a raíz de la llegada al departamento de homicidios del prometedor teniente Edmund J. Exley (Guy Pearce), especie de marionetas al servicio de los intereses  de los jerarcas de turno, el capitán de la brigada o el fiscal de distrito.

Un escenario en que el crimen y la corrupción emponzoñan las entrañas de toda la estructura social desde lo más bajo a lo más alto, es el caldo de cultivo, tan del gusto del escritor californiano, para mostrarnos los debates internos, los desequilibrios de los personajes que lo pueblan. En esta ocasión, de los detectives de Los Ángeles -el oficial Wendell White, un frío y obsesivo tipo que a veces se pasa de la raya en su brutalidad, cosa que es utilizada por sus superiores; el complaciente Sargento Jack Vincennes (Kevin Spacey), un tipo sin valores que usa del puesto para traficar favores, asesorar a una exitoso folletín televisivo ambientado en el mundo policial o compinchado con Sid Hudgens (Danny DeVito), un reportero y fotógrafo sensacionalista que vive de la extorsión a peces gordos-, o Lynn Bracken, la prostituta, doble de Veronika Lake, interpretada por una Kim Basinger afortunadamente rescatada de los blockbuster ochenteros, o el capitán Dudley L. Smith (James Cromwell), o el fiscal de distrito Loew.

Todas estos tipos cuya semblanza está ampliamente desarrollada en la extensa e intensa novela, son aquí esquematizados y dosificados para que jueguen y ensamblen como perfectas piezas de relojería en un thriller policial que discurre con interés y amenidad crecientes, donde el espectador apenas tiene tiempo de asimilar la inequívoca información que se le brinda, casi al mismo tiempo que se le rebela a los audaces detectives White y Exley como resultado de sus pesquisas policiales, hasta el desquiciante desenlace final.

Para el recuerdo quedan secuencias memorables como el hábil interrogatorio a tres bandas que el agente Ed Exley somete a unos jóvenes negros detenidos como chivo expiatorio del crimen que ha puesto en danza a todo el departamento de policía de L. A.; casi todas las correrías del sargento White, prototipo del personaje perdedor y atormentado del universo del escritor californiano, particularmente las compartidas con Lynn incluidas las esperas dentro del coche aparcado junto al apartamento de ella. O un momento cómico, de descarga de la creciente tensión acumulada en el metraje, donde los agentes Vincennes y Exley interrogan al mafioso Stompanato y su pareja ‘Lana Turner’. 

‘L.A. confidential’ película supera con creces la dispersa adaptación de otra novela de Elroy que fue llevada al cine por Brian de Palma en 2006, ‘La dalia negra’, si bien literariamente esta me parezca más redonda que aquella.

Calificación: 4.

Mientras duermes (J. Balagueró, 2011)

Ver Crítica.

Calificación: 2.



Los idus de marzo (G. Clooney, 2011)

Crónica de un desencanto

En la cuarta película que dirige el conocido actor norteamericano George Clooney (Kentucky,1961) sobre un guión que co-escribe junto al también actor y guionista de su anterior ‘Buenas noches, y buena suerte’ (2005) Grant Heslov, más Beau Willimon, vuelve al terreno del drama político como en la anteriormente referida.

Los idus (ides) eran días de buenos augurios según el calendario romano, lo que ocurría en determinados meses como Marzo, si bien la Historia los encumbró como protagonistas de la traición política más famosa, la que acabó con Julio César en el 44 a.C. , que luego dramatizaría Shakespeare en su obra trágica de 1599.

No llega tanta sangre al río en la película que nos ocupa que es la crónica de la evolución que sufre el personaje de Stephen Meyers (Ryan Gosling), joven prometedor asesor de campaña a las presidenciales USA del gobernador Morris (George Clooney), que transita de la más alta devoción hacia el político para el que trabaja, rayana en el enamoramiento, asiste a los habituales tejemanejes entre candidatos que comercian con los apoyos en uno u otro Estado a cambio de puestos futuros, es utilizado por los avezados jefes de campaña en sus guerras particulares, para terminar en la más amarga decepción. La vieja historia de la realidad que socava los principios hasta imponerse. El joven aprendiz convertido en una bestia salvaje a cambio de la decepción personal. La crónica de un duro aprendizaje. La consabida renuncia a los principios morales a cambio del logro personal, la amarga victoria. Y en el camino, la derrota de los débiles, de los menos fuertes, de los que no aguantaron el tirón, como la becaria Molly (Evan Rachel Wood), hija del magnate aliado Stearns, o el propio Stephen, que se ve en la segunda parte de la cinta asomado al más oscuro pozo del fracaso cual títere maniatado por los ultra-experimentados colegas tanto en el bando propio como en el contrario o ese cuarto poder, la prensa, encarnada por la periodista Ida (Marisa Tomei), que unas veces está de tu parte y otras es enemigo, tantas veces retratada en la mejor tradición del cine wilderiano o hawkasiano  .

Esta lucha dramática por el poder, con sus vicisitudes y entresijos, y sus consecuencias, podría haber ocurrido igualmente entre los ejecutivos trepas de una empresa o los gangsters de una banda mafiosa por hacerse con el control de la ciudad, pero aquí el terreno es el del thriller político, sin abandonar ese aire noir que lo tiene y mucho, agrio, acerca de lo que se cuece tras las bambalinas políticas y la autocrítica del mejor cine americano desde la mismísima ‘Caballero sin espada’ (Mr. Smith Goes to Washington, Frank Capra, 1939).

En esta película, eficazmente expuesto, bien dosificado, punteado por las sólidas interpretaciones de Philip Seymour Hoffman, que interpreta a Paul Zara, el jefe de campaña del candidato Morris y mentor de Stephen, o Paul Giamatti, antagonista de Paul como jefe de campaña del otro candidato demócrata, Tom Duffi, o el propio Clooney, más en un papel secundario o icónico, como Gobernador Morris, candidato demócrata y aspirante a futuro presidente.

Todo ello en plena campaña electoral para las presidenciales de 2012 y en la misma semana que el propio Clooney se hace arrestar por su activismo político frente a la embajada de Sudán en Washington por llamar la atención pública sobre el conflicto de ese país africano y la de sus refugiados.

Calificación: 3.

Contagio (S. Soderbergh, 2011)

El film número 25 en la atípicamente prolífica carrera del productor, director y guionista norteamericano Steven Soderbergh (Georgia, 1965) es un interesante y trepidante thriller en forma de crónica cuasi-periodística sobre la aparición, seguimiento y propagación mundial, la epopeya de la investigación médica y obtención de la consabida vacuna, su aplicación en la población y desenlace, si bien, el film, paradójicamente, nos reserva la resolución del enigma acerca del origen del virus para la secuencia final, cuando ya poco parece importarnos.

Es un ejercicio fílmico muy particular ya que, si bien en otras ocasiones el cine ha abordado parecidas historias desde un punto de vista tremendista y grandilocuente, con grandes presupuestos, hasta crear un subgénero propio, el de grandes desastres, cuyos títulos, ya desde los años 70, están en la mente de todos, la presente, muy al contrario, aborda la historia desde esta perspectiva, de cine claramente ‘B’ -he pensado en ‘La amenaza de Andrómeda’ (The Andomeda strain, Robert Wise, 1971)- sin que el alcance global y la gravedad de la situación planteada hacen que el resultado mostrado se resienta porque el guión de Scott Z. Burns sabe manejar y dosificar con gran soltura la doble perspectiva particular y general, sabe ir de lo pequeño, el nacimiento o foco del contagio, hasta lo general y su rápida expansión y contagio a nivel mundial. Y por el camino, se desparraman las vivencias individuales de los protagonistas, sus barrios, sus comunidades.

Es una película de montaje, de laboratorio, donde asistimos a los acontecimientos casi como si estuviéramos viendo un reportaje televisivo, donde las secuencias comienzan con el número del día desde que el contagio empezó, en una suerte de cuenta hacia adelante. Y la participación de los protagonistas, algunos de relumbrón, en ese mecanismo bien engrasado de la película es muy disperso y secuencial, siendo en algunos casos lo más parecido a un cameo.

Calificación: 2.

La vida en tiempos de guerra (T. Solondz, 2009)

Esta película dramática, escrita y dirigida por el norteamericano Todd Solondz, ‘Life during wartime’ en el original, es la continuación de su anterior filme ‘Happiness’ (1998).

No obstante, esta cinta puede contemplarse como un filme independiente donde, curiosamente, son rescatados los personajes de aquella desempeñando idénticos roles pero interpretados por actores fundamentalmente diferentes. Y, de nuevo, los avatares que sufren unos personajes unidos por un vínculo familiar, principalmente, tres hermanas: la mayor, Joy (Ally Sheedy), que abre la cinta, en una secuencia de restaurante idéntica a la apertura de Happiness, con problemas en su actual matrimonio y que escapa a Florida, lugar de residencia de sus otras hermanas; la mediana, Trish (Allison Janney), separada de un convicto por crímenes de violación pederasta, que acaba de conocer a un hombre maduro con el que planea rehacer su vida, y la tercera, la menor, Helen, una escritora reciclada a guionista de éxito. El resto de personajes convergen en los anteriores: el marido de Joy, un tipo desequilibrado y de oscuras prácticas que tomará el mismo camino fatal que su antiguo amante, el cual, no deja de aparecer, e, incluso, acosarla, en diferentes secuencias de la película; el exmarido de Trish, Bill (Ciarán Hinds), recién salido de la cárcel, que intenta un débil acercamiento a su antigua familia, si bien su único interés parece ser si su hijo ahora universitario padece sus misma orientación sexual luctuosa; por otra parte, el candidato a futuro marido, un divorciado de tendencias sionistas que alberga el proyecto de mudarse a Israel, y que convive con su tarado hijo adolescente; el hijo menor de Trish, Timmy, en pleno salto a la adolescencia, que sufre una especie de síndrome de Latimer al querer desempeñar el papel del cabeza de familia inexistente; o la mujer madura, interpretada por una fugaz Charlotte Rampling, predispuesta a la ácida suerte sentimental de bar, que tiene un encuentro nocturno con nuestro exreo, más preocupado por su destino económico.

Solondz establece un paralelismo claro entre su anterior film, pues ciertas situaciones se reproducen, se repiten, de un modo tragicómico, una década después. Un pasado omnipresente, auténtica espada de Damocles, que determina y condena la realidad cotidiana. Los personajes adultos insisten en la búsqueda del otro con resultados fatales, y los no adultos, en la búsqueda insatisfecha de respuestas. Y un denominador común, una de las palabras más mencionadas en los diálogos, el perdón y sus variantes, la necesidad de perdonar, quizás como vía para poder continuar. Todo ello aderezado por otros factores de la realidad que no estaban presentes a finales del siglo XX pero que han sucedido en la década transcurrida desde entonces, como la psicosis por la amenaza terrorista latente en la sociedad norteamericana actual.

Condicionado por el, a mi juicio muy notable, filme precursor, esta película nos parece claramente inferior. La balanza entre comedia y drama no está tan equilibrada como en el anterior, y en esta película, bascula claramente hacia el drama, hasta el punto que cuesta identificar el menor toque cómico, casi inapreciable en la cinta. La desesperanza, marca de la casa, que se abate sobre los personajes es aquí una realidad, un resultado, una depresión insalvable, el paisaje después de la batalla, parafraseando su título. La fotografía de Edward Lachman adquiere un tono saturado, como de negativo excesivamente quemado, casi onírico; es como un lugar de vacaciones en invierno, un verano nublado. La estructura decididamente coral de la precursora, con los ingredientes, los personajes y sus interrelaciones sabiamente dosificadas, aquí ha resultado aminorada, resulta más diáfana, aunque no de resultado más halagüeño. Esta película puede contemplarse como la peor resaca de la anterior, nada amigable. La infelicidad, la lucha contra la realidad en que se debatían los personajes de la precursora, ha arrojado este resultado; la claudicación, el desengaño, los rescoldos de la guerra. Solondz nos muestra en esta película los damnificados y los supervivientes, el resultado a través del tiempo de la agria realidad que con tan buen genio y dosis de imprescindible humor negro nos expuso en la primera. Es el postre de una cena triste, valga el símil por la gran cantidad de escenas del metraje que transcurren tras mesa y mantel, pasado de fecha. Despreciable, si se quiere.

Calificación: 1.